İlkbahar-yaz koleksiyonlarında XX. Yüzyıl sanatı
SABİT BİR WONDERZINE BAŞINDA önümüzdeki altı ay boyunca gardırobunuza adapte edilebilecek podyum trendleri hakkında konuşur. Bu sayımızda Prada'dan Prabal Gurung'a kadar ilkbahar-yaz tasarımcılarının koleksiyonlarında yer alan sanat sezonunun en parlak trendini ele alıyoruz.
Her şey nasıl başladı
Sanat dünyasının fikirleri her zaman kıyafet ve kumaşların tasarımını etkilemiştir. 1920'lerde, Henri Matisse başkanlığındaki avangard ve Fauvistler, Paul Poiret'in kıyafetlerinde izlenebilecek modayı etkiledi. Madeleine Vionne kübizme düşkündü ve kıyafetlerde geometrik şekiller ve çizgiler kullanıyordu ve fütürist sanatçı Ernesto Tayat Vionnet'in evi için logo tasarladı. 30'larda gerçeküstücülük tutkusu geldi. Elsa Schiaparelli, şekerler ve yer fıstığı şeklinde düğmeler yarattı ve Salvador Dali ve Jean Cocteau ile arkadaş oldu, uzun saçları kolundan aşağıya koşan bir kadını betimleyen ceketi ıstakozlarla birlikte gösteren ceketini gösterdi. Bu ve diğer fikirler, Rus dahil modern tasarımcılarda bir kereden fazla ortaya çıkacak (Alexander Terekhov Sonbahar-Kış - 2013 koleksiyonunu düşünün).
50'li ve 60'lı yıllarda moda, müzik ve sanatın iç içe geçtiği ve renkli televizyonun ortaya çıkmasının görsel kültürün atılımını tamamladığı bir zaman oldu. Aynı zamanda, bir tüketim kültürü, bir çoğaltma ve bir kitlesel pazar ortaya çıktı - şu ana kadar konumunu kaybetmeyen her şey. Gençler yaratıcı kolejlere ve üniversitelere döküldüler ve Londra ve New York'ta tasarımcı, fotoğrafçı, model, grafik ya da moda tasarımcısı olmak moda oldu (ve hiç bitmedi). Tasarımcılar rock yıldızlarına yeniden eğitim verdiler (örneğin, The Who'dan Pete Townsend veya The Rolling Stones'dan Keith Richards) ve sanatçılar her elektrik direğinde sanat eseri göründüğü için konserler ve albüm kapakları için posterler hazırladılar.
Pop art sanatçılarının isimleri her şeyi bilir: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - bunlar tüketici toplumunu ve popüler kültürü yansıtan ilk insanlardı, burada ve şu anda insanların ilgisini çeken şeyleri (reklam, televizyon, mağazalardan mallar) gösteriyor. Pop art'ın babası, ilk ve en ünlü kolajı yaratan Briton Richard Hamilton olarak kabul edilir, "Peki bugün evlerimizi bu kadar farklı, çok çekici yapan ne?" 1956’da. Roy Lichtenstein çizgi roman ve çizgi film imgeleri ile deneyler yaptı. Andy Warhol, sanatçı olmadan önce bir illüstratör olarak çalıştı, görünüşe göre New York'taki tüm moda editörlük ofislerinde doğru bağlantılar var ve yeşillerin ışığın türlerin karışımına yansıması gibi görünüyor. Warhol'un sponsoru John Cale Velvet Underground, kısa süre önce 72 yaşında giyim üretimine başlayan moda tasarımcısı Betsy Johnson ile evlendi. O zaman, Betsy, Youthquake etiketi altında komik tişörtler yarattı ve zamanın ana New York mağazalarından birinde - sırayla mağaza için kağıt boyayan Edie Sedgwick ve Warhol ile birlikte çalışan Madison Caddesi'ndeki Paraphernalia'da çalıştı. mini elbiseler ve alışveriş çantaları (tek kullanımlık kıyafetler daha sonra modaya geldi).
60'lı yıllarda pop art'ın yapıldığı günlerde ucuz ve hızlı tasarıma ihtiyaç vardı - mağazalar insanların isteklerine hızla cevap verdiler. Örneğin, Abingdon Yolu'ndaki Biba mağazası koleksiyonlarını her hafta güncelledi - bu, şu anda kitle pazarını başarıyla işleten bir tekniktir. Twiggy şöyle yazdı: "Her şey olduğu gibi hızlı bir şekilde modadan çıktı. Ancak, yalnızca çeken moderndi, her şeyi eskiden uzaklaştırdı."
Pop sanatını görmezden gelmek imkansızdı. Yves Saint Laurent, kısa süre önce Edie Slimane'i yorumlayan kalpler, bayan profilleri ve dudak şeklindeki uygulamalarla yanıt triko elbiseler icat etti. 1965 yılında Saint-Laurent koleksiyonunun "Mondrian" ından sonra, Stephen Willats benzer bir elbise "Değişen Sayfalar" yarattı, ancak sadece yeni moda vinilden. Pierre Cardin vinil ile deney yaptı ve Roy Halston, 1964 yılında Warhol'un “Flowers” adlı elbiselerini yarattı, Miuccia Prada 2013 ilkbahar-yaz koleksiyonunda alıntı yaptı.
1980'lerde, pop art grafiti ile tanınan sanatçı Keith Haring, çalışmalarıyla birlikte T-shirt satacağı New York'ta Pop Shop'u açacak. Vivienne Westwood, Briton'un sanatçının eserlerini aydınlık renklerle çoğaltacağı Witches koleksiyonunda 80'lerde Haring ile birlikte çalışacak ve bugün de Haring’in T-shirt üzerine çalışmaları, New York Modern Sanat Müzesi ile işbirliği yapan Uniqlo markası tarafından uygulanmaktadır. 1991'de, pop art bir kez daha kendini ispatlayacak: İtalyan Gianni Versace, Andy Warhol'a haraç ödeyen, Marilyn asit ve James Dean'in baskı şablonuyla basılan dar bir elbise yaratacak. Elbisenin uyumsuz renklerine bir tamamlayıcı, rhinestones ve kumaş uygulamalarıyla süslenmiş şov kızı tarzı bir büstiyer olacak. Genç Naomi Campbell bu elbisenin içinde görünecek ve Condé Nast Başkanı Nicholas Coleridge, Versace müşterisinin "yüksek ahlak" ile dolu olmadığını not edecektir.
Artık sanattan ilham alan şeyler nasıl giyilir?
Tasarımcılar sanata bakacak ilk mevsim değil, daha sonra kıyafet baskıları, ünlü sanatçıların reprodüksiyonları (Bosch ve Gauguin burada belirtilir), daha sonra çağdaş sanatçılarla işbirliği yapıyor. Bununla birlikte, bu sezon, Gauguin'siz olmasa da pop art'a belirgin bir vurgu yapıldı (Aquilano.Rimondi şovunda ve couture koleksiyonunda Maison Martin Margiela'da reprodüksiyonlarını gördük). 60'lı ve popüler sanat ile modern moda, moda ve sanatın ticarileşmesi ile ilgilidir. Pop sanatının en çarpıcı tezahürü Prada koleksiyonu oldu - Miuccia Prada çağdaş ve sokak sanatçılarının çalışmalarını yeniden tasarladı: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra ve diğerleri. Buna ek olarak, zarif kavramalar üreten birçok marka popüler hale geldi: Sarah's Bag, Roy Lichtenstein'ın çalışmalarına sahip olan Yazbukey, dudak şeklinde, bir paket sigara veya diş macunu, İngiliz Lulu Guinness formunda parlak kavramalar yaratıyor. Pop-art'da Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott ve Ashish, köpek yedi: burada sen ve Coca-Cola ve televizyonda önleme şeklinde bir baskı.
Ek olarak, Moschino için gelecek sezonun koleksiyonunda, sarıcı elbiseler gösteren Jeremy Scott, 1956'da reklam için yaratılan ilk şeyleri, midi Martini Label uzunluğunun elbiselerini ve eteklerini, ilk rock hayranlarının giydiği marka logolarıyla tamamen süsledi. ücretsiz festival içecekler için rulo. Christopher Kane, 60'ların eserini hatırlatan, kopyalanmış renkler şeklinde bir baskı ile etek yaratıyor. Christian Dior için Raf Simons pop sanat tekniğini kullanıyor - logomania. Missoni, Japon çizgi romanlarından ilham alıyor. Kenzo, modern grafikleri ve kalemlerle eskizlerini gösteriyor. Prabal Gurung, Marilyn Monroe'ya saygı duyuyor. Preen elbise soyutlamasına uygulanır.
Birçok marka, öncelikle Jackson Pollock ve Mark Rothko'nun çalışmalarından soyut ifadecilikten ilham aldı. Chanel koleksiyonunda, Lagerfeld, parlak boya sıçraması biçiminde kıyafetlere baskılar bastırdı ve sergileme alanını Chanel evinin sembolleriyle 75 eserle süsledi; Gösteriden sonra resimler, heykeller ve enstalasyonlar Paris'teki Grand Palais'e taşındı. Jil Sander'den ayrılmadan önce, Gilles Zander, en son tek renkli ilkbahar-yaz koleksiyonunda soyut baskılarla birlikte birkaç yay içeriyordu. Phoebe Failo, Fauvism ve büyük bir sergi ile eşleşecek gibi görünen Сéline koleksiyonunu yayınladı. "Henri Matisse: Tate Modern'e Eylül ayına kadar giden Cut-Out'lar, Calvin Klein'da bile soyut baskılarla bir yay var.
İngiliz tasarımcı Jonathan Anderson'ın dediği gibi, eleştirmenlerin uzun zamandır düşündüğü kar amacı gütmeyen koleksiyonları göstermek: “Benim için moda hiçbir zaman bir sanat formu olmadı. Bir sanatçı ile bir tasarımcıyı karşılaştıramazsınız. Hem moda hem de sanat bugün ticarileştiriliyor.” Aradaki fark, sanatın satışlara düşmemesi, aksine, yıllar içinde fiyatı artmakta, ancak ender görülen bir elbise moda müzesine giriyor.
DİKKAT!
Küçük demokratik markalar, sanatı ticari amaçlar için kullanmayı çok sevdiler, ancak bunu genellikle önden yapıyorlar. Bosch, Van Gogh veya bir kutu Campbell çorbasının reprodüksiyonuyla şüpheli tişörtü veya çantalara dikkat edin. Pahalı bir etekle harika bir sanatçının eserinin parasını ödemeye hazır değilseniz, soyut baskıları olan şeyleri seçmek daha iyidir - örneğin, Zara koleksiyonunda böyle şeyler vardır. İyi bir satın alma, çağdaş sanatçılarla işbirliğinden bir şey olacaktır. Ve asıl şeyi unutma - sıra dışı şeyler dikkatli bir şekilde çalışmayı gerektirir: onları minimalist bir şeyle birleştirin ve hipertrofik eksantrikliği Joan Aguzarova ve Andrei Bartenev'e bırakın.
resimler: Tate Modern, Getty Images (4)